Un amor que nació en el Conurbano

Por Laura Cabrera/ @LauCab // Imagen: Miel del Conurbano

La serie web Miel del Conurbano desembarcó en YouTube y a menos de un mes de su estreno, contó con más de dos mil visitas en su primer capítulo. Este trabajo autogestivo que cuenta la historia de un amor aparentemente “prohibido” y en busca de la libertad, ahora quiere rodar más capítulos, para lo cual sus creadores iniciaron una campaña para obtener fondos mediante la plataforma Idea.me.

Esta es una historia de amor entre dos jóvenes pero también es la historia de amor de varios jóvenes por un proyecto audiovisual que quiere seguir viendo la luz. Se trata de Miel del Conurbano, serie web dirigida por Kevin Di Dio y Tatiana Parodi, que ya cuenta con su primer capítulo disponible (titulado “Soplá la vela”) en YouTube y que busca seguir sumando episodios a la historia de amor de Nacho y Lucas. Para poder lograrlo, sus creadores lanzaron una campaña a través de Idea.me (https://www.idea.me/proyectos/52710/miel-de-conurbano—serie-web) que, al igual que otros proyectos, da recompensas a quienes aporten dinero para la financiación de la tira.

Miel, miel, dame tu miel…

Nacho cumple años. Como en toda fiesta, los pasos previos giran sobre la organización: comida, el lugar, bebida, invitados…la duda de si contar o no un secreto a voces…la seguridad de hacerlo el mismo día de la fiesta…bueno, eso no es tan común. La serie web inicia con un primer capítulo en donde se exponen temáticas profundas, en su mayoría basadas en las formas de relacionarse con los otros y otras. En esa lógica, al principio todo parece estar en calma hasta que de un momento al otro todo se va de las manos.

Nacho mantiene una relación con un chico  (Lucas) al que conoce desde hace muchos años. Sus amigos lo saben y el noviazgo marcha tan bien que llegó la hora de anoticiar a sus padres, quienes no se imaginan qué ni cómo se enterarán de la buena nueva.

Banda sonora de “Miel del Conurbano”.

Pero más allá de esta, que parece ser hasta el momento la historia central, se desarrollan en paralelo las de una estafadora y la de una amiga del grupo que mantiene una relación un tanto tormentosa con un novio al que, al parecer, nadie conoce. Estas líneas se van a unir de una manera inesperada (no voy a tirar ningún spoiler acá, sigan leyendo) generando un pico de tensión que quizá se resuelva en el segundo capítulo.

Luego del estreno, Marcha dialogó con su director, Kevin Di Dio, acerca de esta idea y sobre cómo seguirá la historia pensada, guionada, producida y rodada por un grupo de estudiantes del Instituto de Cine de Avellaneda (IDAC).

-La historia de la serie podría haber sucedido en cualquier lugar, sin embargo sucede en el conurbano, ¿por qué eligieron esa zona de Buenos Aires?, ¿por qué eligieron mencionarla?

-La idea de situar la serie en el conurbano fue un pilar para su desarrollo. La mayoría de los productos que conocemos transcurren mayormente en capital, barrios de zona norte o el campo, entre otros lugares que no nos identifican o nos producen la sensación de una realidad vecina pero ajena a la vez. Si nos ponemos a pensar el conurbano sur tiene una población bastante grande, Lanús está entre las diez ciudades más pobladas del país, y sin embargo nuestros barrios no son ni siquiera mencionados. Tenemos historias, un sentido de pertenencia y un amor por nuestras ciudades que merecían ser representados. A medida que la historia avance iremos explorando y revelando qué significa para nosotros vivir en el conurbano.

-La temática central toca la homosexualidad. Si bien en la actualidad hay una mayor apertura de la sociedad en cuanto al tema, desde la serie puede verse cómo todavía existe cierto tabú sobre, ¿cuál es el mensaje que quieren dejar a través de esta historia?

-Creo que la apertura de nuestra sociedad hacia el colectivo LGTB es bastante “careta”. Considero que las leyes llegaron y avanzaron primero que la sociedad y que aún hay que hablar y mencionar todo lo que se pueda porque queda mucho trabajo por hacer. La situación de nuestros personajes, el hecho de vivir su amor únicamente puertas adentro, sigue ocurriendo. Para muchos sigue siendo tabú y aunque no fueran muchos y fueran pocos, me gustaría seguir alzando la voz desde mi lugar y aportar el avance hacia una sociedad más libre. No existe algo así como “el mensaje”, simplemente la situación de Nacho y Lucas existe, ocurre con todo lo bueno y malo que la compone y me parece necesario contarlo.

-De este primer capítulo se desprenden varias historias que se entrelazan, ¿se sumarán más historias?

-La idea es que sí. Tenemos pensado el ingreso de personajes muy coloridos que abran nuevas puertas a otros temas. Como guionista me encantan las historias con muchos personajes que puedan convivir entre sí. Me permite expresar muchas ideas a la vez en un mismo proyecto. Así que sí continuamos seguramente se sumen más historias a la trama.

-Hablando un poco del hecho de hacer ficción y de manera autogestiva, están utilizando Ideame para poder financiar los costos, ¿cuál es el monto al que quieren llegar y cuántos capítulos financiarían con ese dinero?

-La idea principal era juntar veinte mil pesos para cada capítulo. Aunque parezca mucho, sigue siendo muy poco comparado a lo que “profesionalmente” se necesita o se utiliza. La realidad es que hay pocas oportunidades, sobre todo para quienes recién comenzamos. Pero el bajo presupuesto nos hace ser más creativos y buscar otras herramientas para contar nuestra historia. Con un total de sesenta mil pesos íbamos a hacer tres capítulos con la idea de luego presentarlos en una productora. La verdad es que nosotros aprendemos mediante lo que hacemos y vamos viendo que puertas se abren y cuáles no. Hoy en día la recaudación está bastante floja pero se decidió hacer un capítulo más para toda la gente que ayudó y confió en nosotros. Iremos viendo a medida que avance el proyecto si podemos hacer más, esperamos que sí.

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TAROT

TAROT

CulturaDe Autor 18 julio, 2017 0

 Escrito:  Microbio Bufonetta / Dibujo : Cabe Costes

 

 

Esto sucedió en un Barrio, con un río, un puente y adoquines.
Cuenta la leyenda que en Enero de aquellos años, doblo por la Esquina una brisa oscura, potente, precisa y maligna.
Ensombreció los patios de los conventillos.
Sacudió con fuerza las ventanas, que parecían aplaudir su presencia.
Los gatos crisparon sus lomos y corrieron por el chaperio a un lugar improbable.
Los perros aullaban como clarinetes de bienvenida.
Y allí desde lejos venia la Parca,
con su murga de huesos, haciendo temblar a cada paso corazones y lamentos.
Los condenados agarraban sus rosarios y sus estampas, llorando y mirando el cielo, esperando que su Dios haga algo.
Los ateos ni siquiera pudieron creer en ellos mismos.
En uno de los pasillos un niño quedo inmutado, apartado del cardumen temeroso que corría desamparado.
Sus ojos asombrados, redondos como el dos de oro quedaron cautivados por la luz tenue que salía de un pequeño costal.
Directo hacia allí lo levanto y encontró una baraja con bordes de oro que iluminaban su rostro aún más asombrado que sus ojos.
Mezclo la baraja y acomodo cuatro de ellas en el suelo; como por arte de magia el niño escucho palabras que las cartas pronunciaban, pudo intuir que a través de ellas podía saber a qué se debía semejante carnaval.

 

 

Escrito y dibujo pertenecen al libro “Primogenito , encuentro entre dos ” de Microbio Bufonetta y Cabe Coste, publicado recientemente.

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En propias manos: Pablo Reartes trío

Por Angie Ferrero

El Programa Apoyo a la Edición Musical de Córdoba 2016, perteneciente a la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de Córdoba, premió a la agrupación musical Pablo Reartes Trío por su disco “En propias manos”: jazz desde el centro del país, al alcance de la mano de todos.

El circuito de jazz en la ciudad cordobesa crece día a día. No son pocos los bares y centros culturales que dedican gran parte de su agenda a este género, término que parece ser chico, por el alma y la historia que guarda en sí misma esta música.

Pablo Reartes Trío, es una agrupación musical cordobesa de jazz  que fue conformada en el año 2009. Sus integrantes son Pablo Reartes (composición, guitarra eléctrica y acústica); Javier Pérez (bajo eléctrico y contrabajo) y Manuel Cerviño (batería).

Su disco “En propias manos”, fue premiado por el Programa Apoyo a la Edición Musical de Córdoba 2016, perteneciente a la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de Córdoba, y fue grabado y editado en vivo, a principios de este año en MAYA STUDIO. En la grabación, el trío contó con la participación de Sergio Audisio y la música de su flauta traversa como invitado en los temas 3 y 6.

Para la selección, el jurado destacó haber tenido por criterios, la consideración de la calidad integral de la propuesta, la originalidad, composición, instrumentación e interpretación vocal – instrumental.

Con diez cortes, Pablo Reartes Trío, nos deja -en la palma de nuestras manos- un disco de jazz que revela influencias de nuestra música latinoamericana, el blues, el rock y el folcklore. Con toques de bosanova y funk, en el cierre y como bonus track, suena una dulce canción de cuna.

Las composiciones que integran “En propias manos”, son todas originales y de la autoría de Pablo Reartes. Este disco, fue resultado del trabajo de muchos años y distintos proyectos cumplidos por los integrantes del trío cordobés que quisieron acercar a los oyentes, una fusión de jazz que guarde lo artesanal y la energía que transmite la música en vivo.

Pablo Reartes Trío, tras la grabación y edición del disco, ha hecho diversas presentaciones en bares, centros culturales y espacios públicos, entre ellos, la explanada del Buen Pastor, respaldados por la premiación que los honra y el aplauso del público.

En propias manos, es un disco para disfrutar de principio a fin, música que acompaña, que se siente, que se hace presente, que tiene alma.

https://pabloreartestrio.bandcamp.com/album/en-propias-manos

 

https://twitter.com/PRT_JAZZ

 

https://www.facebook.com/Pablo-Reartes-tr%C3%ADo-404424169919724/

 

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Junio a junio Arde Rojo

  Poema y foto : Agustina Salinas

Junio arde rojo en el cuerpo que nos tiembla.
nos arde rojo en la garganta crispada
de tanto gritar que ya vas a ver,
que las balas que vos tiraste van a volver.
nos arde rojo en las manos
que se cortajean por el frio
y se secan en el calor de los fuegos
de las antorchas que iluminan el camino
y de las fogatas que calientan los corazones.
nos arde rojo en los ojos
que se emocionan ante cada palabra que exige justicia
y que arrancará la justicia que no es otra cosa
que la victoria de los pueblos.
nos arde rojo en los brazos
que se apretujan entre abrazos compañeros.
nos arde rojo en los puños
cerrados con fuerza
golpeando hacia arriba
acompañados de un ¡Presente!
derribando el muro invisible
de la indiferencia que quieren hacernos sentir
pero cómo no ser parte
de esta historia de disputa por la libertad
nos arde rojo en la memoria
que no para de recordarnos
que tenemos que luchar y
que se multiplica en las sonrisas
de esos pibes y esas pibas
que son semillas.
nos arde rojo en las piernas
cansadas de tanto saltar bailar caminar
hasta llegar el puente
que los vio morir
pero que también
los ve renacer cada 26 de junio
en todxs aquellxs que ven que la lucha es necesaria
y que lo único malo es la resignación
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Tarea fina

Tarea fina

Música 7 julio, 2017 0

Por Sofia Ordynans

La Joven Guarrior es una orquesta, una familia, compuesta por 14 músicos y actores versátiles que rotan roles, e instrumentos. Abordando temáticas que van desde el amor y la tradición, hasta la política y la historia, la ironía y el humor funcionan como recursos permanentes que cohesionan un relato compacto e irreverente, pero también profundo y sensible. Desde su creación en 2007 editaron tres discos, trabajando actualmente en la finalización del cuarto. Alquimistas de los formatos, y los géneros, surfearon fórmulas que fueron desde el acústico más despojado, hasta el despliegue escénico con el cual sienten que sintetizan su trayectoria hoy: “Perros de la Belleza”, con dirección de Juan Parodi.

En esta entrevista, Lautaro Pane y Juan Isola, dialogaron con Marcha acerca de cómo funciona ese mundo fusionado que es La Joven Guarrior.

– ¿Cómo es el proceso de ensamble de todos los elementos escénicos que utilizan en vivo?

L: Sucedió de una forma que nunca nos hubiéramos imaginado que podría llegar a ser, porque si bien es de una complejidad terrible, es increíble como Parodi  tiene la facilidad de lograr callarnos a todos que somos niños insoportables, somos muchos, y es un quilombo. La presencia de Juan vino a ordenarnos y además la manera de proponerlo que tiene es muy amable. Estamos predispuestos  a laburar con él,  y realmente las ideas que tiene son aciertos indiscutibles. El tipo viene y te dice “bueno, ahora vos vas a entrar por el costado, vas a tener una sirena de ambulancia en la mano, y vas a caminar muy lento entre los músicos en total oscuridad. Vamos a probarlo”. Y también tenemos la suerte de poder ensayar en el Espacio Sísmico, con la libertad de poder estar horas en una sala grande, algo fundamental que no podríamos realizar en cualquier sala de rock. Entonces, vos entras por un costado con la sirena, el otro aparece con una máscara por otro lado, y ya lo ves escénicamente. Parodi es un tipo que tiene una habilidad y un ojo estético tan afilado que para mí lo que hace es meter golazos visuales. El loco con tres o cuatro cositas que acomoda, de repente te hace una obra pictórica con nosotros que somos los mismos 15 boludos de hace diez años y nos desencaja, porque de repente no podemos creer lo que está pasando, en qué momento sucedió. Fueron tres ensayos. En tres ensayos te diste vuelta; tipos que quizás vienen más de lo musical que de lo teatral están parados en su eje, con presencia, con la cabeza para adelante con cara de “estoy dejándolo todo” y es como un compromiso que la banda le confía de una forma maravillosa.

Mientras conversamos en el Espacio Sísmico, escucho personas yendo y viniendo, armando escenarios, preparando la sala, la cocina, la barra. Y es que el Sísmico es un teatro independiente fundado por Juan Isola y su hermana Sol, hace ya 3 años, en el que trabajan, producen y circulan contenidos culturales, desde obras de teatro, hasta talleres de arte para chicos. La oferta es larga y ancha, siendo un espacio en el que además, gran parte de la banda trabaja para su mantenimiento y funcionamiento.

–  ¿Cómo es que se da la confluencia de disciplinas teatrales, musicales, escenográficas a lo largo de su historia?

L: Hay algo muy lindo que dijo el Pastor, que es que en cualquier grupo donde hay más de tres hombres juntos reina la inmadurez, la idiotez, lo lúdico y en alguna forma lo teatral. Si bien gran parte de nuestras canciones tienen un deje de ironía, la poesía del Pastor como la del Perro Viejo (Juan Isola) es especialmente irónica. Eso te instala en un lugar que no siempre es de humor, pero sí histriónico. Cuando el Perro -músico y actor- se une a la banda allá por el 2008, esta cualidad surge naturalmente y hace más dinámicos los shows. Muchas veces cuando vamos a ver un espectáculo nos quedamos con las ganas de que los músicos cuenten un poco más quiénes son, de dónde vienen, qué les pasa o qué pensaron cuando escribieron tal canción. Hoy en día pasa de todo y no podes obviar lo escénico, somos cuerpos dentro de un escenario que estamos expresando algo, y sería una picardía desde nosotros no tener la posibilidad de hacer una referencia escénica teatral.

– ¿Cómo surge la idea de elaborar espectáculos que no se atan estrictamente al lanzamiento de un disco?

L: Nos dimos cuenta que la Guarrior muchas veces termina siendo más aceptada en los escenarios que en los reproductores, sea por lo escénico o por la puesta. Hay algo que nosotros contamos en el escenario que en el disco no lo contamos porque no es el lugar, y menos en el que estamos trabajando ahora. Los otros discos los hicimos en estudios de amigos con buenos equipos pero en casas, y ahora estamos en un estudio de verdad. Integramos al sonidista Fede Nicolau y a un productor para que busque una sonoridad que nosotros antes no teníamos, ahora que la formación está más pulida. Si bien somos eclécticos y los géneros que abarcamos también, la carrera discográfica nos separa de lo escénico porque ahí tenemos otra forma de transmitir lo que hacemos.

– Y dentro de lo escénico también hay diferencias, dado que no es lo mismo presentarse en el teatro Caras y Caretas que en Uniclub, como han hecho

L: Ni hablar. Esa fue una de las inquietudes a la hora de convocar y que nos convoque Juan Parodi. Queremos trabajar un espectáculo para un teatro que podamos repetir y donde sucedan cosas que no van a pasar en una trasnoche borrachos agitando, y la verdad es que el resultado de PDLB es muy emotivo. Logra momentos de belleza muy emocionante y fuerte, el final es muy conmovedor. Las canciones solas no te llevan a ese lugar, las canciones son de una forma y la puesta que Juan pensó para esto te lleva a otro lado.

– Actualmente están en proceso de grabación del cuarto disco

J: Aparentemente ya lo terminamos, pero yo no soy del área disco. Tenemos “distribución internacional del trabajo”.

–  Se manejan de manera independiente y autogestiva, entonces  ¿Cómo se organizan?

J: Tenemos una división en la que ahora generalmente nos llamamos “Honorables Comisiones” para que ese honor, porque lo hacemos ad honorem, tenga valor cuando se lo refregas en la cara al otro compañero (risas). Hemos mejorado un montón y ahora tenemos una división de la parte gráfica, audiovisual, de subsidios, de producción específica de cada una de las fechas, la parte de producción general, la de logística y traslados, la mantenimiento y compra de cosas nuevas, el tesorero, y obviamente la parte artística que también se divide, a veces en la de arreglos, otras veces en composición, la de teatro, la de escritura o la de ensayos, la del disco. Pasa que el disco es itinerante porque aparece y se desarma. Si bien hay gente que está pensando en los discos, como puede ser el Pastor, el Cacha o el Ingeniero, que están siempre con todo lo que significa la grabación, yo toco un poco más de oído.

La Joven Guarrior:

Integrantes: El Pastor (Gonzalo Gamallo) – Voz y guitarra / El Perro Viejo (Juan Isola) – Voz / El Gasista (Andrés Fayó) – Guitarra, clarinete, y charango / El Pochoclero (Lucio Margiotta) – Percusión, guitarra, y voz / Ze Pequenho (Lautaro Pane) – Percusión, bajo y voz / El Nuevo (Iván Tkachuk) – Bajo y percusión / El Ingeniero (Hernán Schnaider) – Percusión y bajo / El Empleado del Mes (Manuel Lugea) – Percusión / Junco (Alfredo Gadyi) – Trompeta / El Minero (Bernardo Fay) – Saxo y armónica / El Lider de los Wichis (Jose W. Aguilar) – Quena y flauta / El Delegado (Eduardo Baeza) – Trombón y bajo / El Capitán (Santiago Dinelli) – Voz y performer / El Perro Nuevo (Facundo Livio Mejías) – Performer / El Corresponsal (Jorge Corsi) – Fotografía y performer

Staff Técnico: El Fontanero (Federico Nicolao) – Sonido / Cristian Domini – Luces / Batman (Román Tkachuk) – Stage / El Operador (Gabriel Campana) – Stage Manager

Asistente de Dirección: Gustavo Fernández / Visuales: Iván Fund / Dirección Artística: Juan Parodi

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Hombres que corren con lobos

Por Sofia Ordynans

“Perros de la belleza” es el último trabajo de La Joven Guarrior, compuesta por 14 músicos y actores que conjugan música, teatro y poesía en un un mismo sitio. Este fin de semana se presentarán en el Centro Cultural Haroldo Conti.

“Perros de la belleza” es el último trabajo de La Joven Guarrior, una orquesta de 14 músicos y actores que rotan roles e instrumentos. Según sus intérpretes, la obra  es un recital, un espectáculo teatral, un experimento social. Es un intento obstinado por explorar nuevos lenguajes y por yuxtaponer los mismos. Inspirados en el poema homónimo de Fabián San Miguel, custodiados por la proyección de un cortometraje del director Iván Fund, el espectáculo recoge parte del repertorio clásico de la formación que de la mano de su director, Juan Parodi se renueva y renace en forma de pieza única y compacta. Golazos estéticos, climas eclécticos y envolventes, una profunda y poética sencillez: “Perros de la belleza” es un momento y un momento y una explosión.

Antes de su próximo show en el Centro Cultural Haroldo Conti, Lautaro Pane y Juan Sola, ambos integrantes de La Joven Guarrior, dialogaron con Marcha.

– ¿Cómo nace “Perros de la Belleza”?

L: PDLB es el fruto del trabajo con Juan Parodi. Sucede de una manera mágica, como si lo hubiéramos estado esperando siempre. Juan también aparece de una manera mágica, en la que nosotros necesitábamos trabajar con alguien que nos ordene. Algunos ya lo veníamos haciendo en otros espectáculos, como yo en Crol y El Pastor, Gonza Gamallo, en “Rosa Brillando” que musicalizaba en vivo. A partir de ahí es que Parodi conoce a la Guarrior y fue en agosto del año pasado que empezamos a trabajar juntos en lo que fue la aproximación de lo que es “Perros de la Belleza” hoy. A partir de ahí fue que entramos en una instancia de repetición que está buenísima. Históricamente cada fecha se trabajaba puntualmente con una lista de temas, una puesta específica, un diseño estético del flyer, las escenas escritas especialmente para cada fecha. Con “Perros de la Belleza” armamos un espectáculo que se repite y que es algo que tardamos 10 años en darnos cuenta, una fórmula más sencilla a nivel de producción, tiempo, costos.

– Es la primera vez que trabajan con un director; ¿cómo impactó la llegada de Juan Parodi?

J: Se habló sobre eso antes de la llegada de Parodi. Había un clima de duda, más que nada en Zepe (Lautaro Pane) y el Pastor que ya habían trabajado con él antes y sabían que Juan labura de determinada manera y tenemos que entregarnos a su labor. Sucedió todo muy bien, por eso hemos logrado un nuevo equipo y la Guarrior, una vez más, ha crecido. Juan vino con su asistente, Gustavo Armando, que es un campeón, nos llevamos muy bien. Trajeron propuestas para nuevos técnicos y para nuevas formas de trabajar con ellos. Él, muy delicadamente con su profesión, siendo un gran director, fue involucrándose paso a paso de una manera muy tierna y muy suave en todo el equipo y el equipo siempre lo escuchó. Ahora está teniendo mucha más participación a nivel artístico, humano, de producción. A nivel propuesta entró con unas muy efectivas, pero lo que rescato es el manejo del grupo, que es fundamental, y que hizo de una manera muy elegante. Es un tipo que tiene mucho recorrido, muchos trabajos de renombre, entonces la cuestión de la efectividad combinada con nuestro trabajo que viene de hace un tiempo, generó que los discursos vinculares sean positivos desde el inicio.

L: La energía del grupo bajó los decibeles. Nosotros somos todos histéricos, o por lo menos Juan y yo. Nos peleamos, cuestiones de grupo, nada terrible, cosas que mantienen viva la llama.

J: Y, la llegada de Parodi trajo un desafío. Nos renovamos, crecimos todos, maduramos, y algo fantástico que sucedió en su presencia es que madurar con las personas que vos amás y te criaste artística y humanamente, vivir esos momentos de alegría y felicidad es un terremoto emocional hermoso y hace que se renueve la pasión de todos, que si bien no estaba dormida, tenía las mesetas cotidianas que van destruyendo de a poco el sexo.

L: Fue una renovación total porque también incluso empezaron a aparecer propuestas de otro tipo. En dos meses cerramos para ir a tres festivales, Bahía Teatro, la Fiesta Municipal del Teatro Independiente Provincial, y la Fiesta Nacional del Teatro que fue en Mendoza, en un teatro para mil personas, y que fue increíble.

– ¿Cómo catalogarían el trabajo realizado con PDLB?

P: PDLB es como una conclusión de la Guarrior porque fuimos mutando de muchas formas, de tocar acústico a tocar enchufados, de tocar enchufados sin guitarra eléctrica o retomarla,  introducir el teatro, sacarlo, distintos formatos que hemos ido encontrando  y que son posibilidades para hacer lo que tengas ganas. Todo eso fue un camino de investigación donde sacábamos las cosas que no nos gustaban y dejábamos lo que sí para repetirlo, y dentro de ese proceso y con la conjunción del trabajo con Juan, PDLB es conclusivo. Tiene muchísima potencia, porque tiene toda la historia de las formas y formatos que hemos encontrado trabajando, mezclado con un tipo como Parodi que tiene una mirada plástica hermosa, y de los tiempos teatrales muy convocante. Entonces, tiene lo musical, tiene lo teatral, la imagen y tiene la contención de la visión macro de una persona que nos dirige, por eso es conclusivo y por eso se repite de esa manera, porque ese espectáculo dice. Si fuera de otra manera diría otra cosa, y nosotros siempre queremos que diga lo mismo.

– Próximamente tienen la fecha en el Conti. ¿Cómo comienza su vinculación con organismos de DDHH?

L: La Guarrior siempre tuvo un compromiso ideológico. Si bien somos muchos y cada uno tiene su propia ideología, mantenemos ciertos acuerdos. Tocar en el Conti hoy, que es un espacio de resistencia de las políticas culturales en las que nos vemos sometidos, y sufrimos en todo aspecto nos pone muy contentos, y también debe haber tenido que ver que nos presentamos hace unos meses para el cumpleaños número 40 de las madres, donde tocamos en la universidad y fue increíble, muy emocionante. Estábamos en el escenario frente a la universidad, un gran espacio con un perímetro de vallas desde donde estaban muchas de las madres sentadas con su pañuelito hermoso, ahí, mirándonos, y para mí fue un momento que no me voy a olvidar en mi vida. Yo veía a mi vieja en primera fila llorando, y claro, para ella esto debe ser muy fuerte porque recuerdo que a mis primeras marchas me llevo ella, para los 24 de marzo de la mano con mi hermano.

J: La Guarrior, más allá de contener corrientes políticas distintas, hay una que nos une muy fuertemente que está más relacionada con una política progresista si se quiere, en la que todos coincidimos, totalmente activa a nivel de DDHH. Quiero hablar del peronismo sin decir peronismo. Somos medio progres. La identidad es progresista. Creemos en las políticas inclusivas, y no las exclusivas, de desarrollo de las potencias de nuestro propio país, alejándonos un poco de la cuestión globalizada, y mercantilizada.

 

Próximas Fechas:

Centro Cultural Haroldo Conti

Sábado 8 de Julio 20:00 Hs.

Domingo 9 de Julio 18:00 Hs.

ENTRADA GRATUITA SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

Las entradas a los espectáculos se retiran con una hora de anticipación (2 por persona). No se reservan.

 

Facebook: https://www.facebook.com/lajovenguarrior/

Twitter: https://twitter.com/lajovenguarrior?lang=es

Web oficial: www.lajovenguarrior.com.ar

 

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#ROCKPORANI: Música y solidaridad

Por Eliana Toledo

Analía Boccomino, cantante de Seda Carmín, fue diagnosticada hace un año de Hodkin, enfermedad que forma células malignas en el sistema linfático. Para costear su tratamiento, la banda de la cual forma parte y músicos invitados organizaron un festival. Será este viernes 7 de junio en el Teatro Woodstock Oeste, de San Justo.

Analía Boccomino es definida por sus compañeros como el “motor de seda”, recordando los principios de la banda en Lugano, por el 2005, cuando un grupo de amigos decidió juntarse para “zapar”, esa manía de los músicos de dejarse llevar por la arbitrariedad del sonido retumbando en el aire.

La locura exasperada por el rock ´n´ roll y la adrenalina corriendo como sincronizada en las venas de cada integrante hizo que cada uno apretara el acelerador a fondo, sin pestañear, y si alguno se atrevía a cuestionar si la velocidad no sería un lobo disfrazado de cordero aparecía Ani, con sus ojos color cielo, tarareando al unísono: No da para frenar.

Así la banda creció. Creció y no paró. Desde la fuerza integrada colectivamente por el talento y la amistad que iba más allá de lo que reflotaba en sus memorias, el amor por la música se transmitía de tal manera que cada vez que tocaban creaban esa aura hipnótica que hacía que quien los veía, no apartara los ojos de aquella rubia que vestía colores exuberantes y una voz que arrasaba con las sombras de cualquier espacio donde estaba.

“Ani es la energía de seda, es alguien que te motiva todo el tiempo”, cuenta “Peluka” -seudónimo del guitarrista de la banda que se ganó por la intensidad de su cabellera- y a la vez alude que el festival “surgió entre amigos y con la idea apoyarla sentimentalmente y acompañarla”.

Una vez que salió la fecha del festival, no tardaron en llegar las voces de músicos amigos que se suman como ellos bien saben: subiéndose al escenario y quebrantando los sentidos con un riff que nunca falla. Es así que empezaron a visibilizarse las manos de intérpretes como Luli Bertoldi (Eruca Sativa), Jorge Rossi (Los Gardelitos – Intoxicados), Fachi (Motor loco – Viejas locas), Beto Olguín (Los Perez García), Juan y Manu (Sueños de pescado), Libre el Jabalí y demás bandas que ponen el hombro para que a Analía no se le ocurra ni por un segundo mirar hacia otro punto que no fuera la puerta de salida para volver a su mundo de armonías.

“A través del rock le devolvemos a Analia todo lo que ella dio en este tiempo, no económicamente, sino en términos de fuerza”, confiesa Peluka y es así que no sólo son los músicos los que van a “aguantar los trapos”, si no el público cuyo rol en este papel es uno de los más importantes: demostrarle a Ani que el que abandona no tiene premio.

El show será este jueves desde las 21 en Woodstock. Juan Manuel de Rosas 2964, San Justo. Anticipadas a $150. $200 en puerta.

 

 

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Canciones como señales de lo que nos rodea

Por Laura Cabrera @LauCab

Halo Bestia es el primer trabajo discográfico del dúo SeraArrebol, compuesto por Nacho Vidal y Nadia Larcher, quienes luego de diez años de experimentación musical llegan a los escenarios con este material no sólo para unir sus voces sino además para plantearse  cada sitio como espacio de indagación sobre el rol social, cultural y político de los y las artistas.

Diez años pasaron desde el inicio de la amistad entre Nacho Vidal (voz y guitarra) y Nadia Larcher (voz). Diez años en donde el haber compartido una “trayectoria sonora” dio lugar a la formación del dúo Seraarrebol, que recientemente dio a luz Halo Bestia, su primer disco, compuesto por diez temas en los que predominan las raíces folklóricas entre melodías cálidas y la referencia a paisajes en temas que de tan descriptivos se presentan casi como pinturas. El disco, que fue lanzado formalmente el mes pasado, cuenta con la presencia de artistas invitados que suman belleza al secreto de esta obra: “La simpleza que logra una síntesis”.

A poco de la primera presentación oficial, el dúo dialogó con Marcha acerca de este trabajo y sobre cómo funciona Seraarrebol en la escena artística del país, tanto desde lo musical como desde otros roles.  

-Halo Bestia se presenta como algo simple, dos voces, una guitarra, pero esa simpleza fue lograda mediante un trabajo que incluyó invitados, ¿cómo fue esta primera experiencia de Seraarrebol?

NADIA: -Si, Seraarrebol nace como un dúo de voces y guitarra. Hemos trabajado así durante tres años. Pero, a medida que avanzamos con el disco entendimos que las canciones necesitaban nuevos sonidos y esa idea se consolidó con la invitación de  Andrés Beuwsaert, Mariano Agustoni, Mariano Cantero, Andrés Marino, Christine Brebes, Jordi Rossi, Matías Zapata y Sebastián Valsechi, quienes nos ayudaron a hacer crecer las canciones y a lograr que el disco también sea una instancia de creación. Es por eso que el proceso duró dos años. Es interesante pensar que la simpleza no es lo menos si no lo que logra una síntesis. Anhelamos haberla logrado.

-Este disco tiene un estilo bien marcado, ¿cómo lo definirían ustedes?

NACHO: -No sé cómo sería definirlo en términos de estilo. Sí hay una búsqueda en lo universal, pero con los pies sobre este suelo, el suelo donde crecemos, soñamos, amamos, danzamos y trabajamos… Hay una predisposición, aunque hay algo inevitable en esto, a la universalidad. Pero al caminar uno va pisando un suelo y ese suelo define en cierta medida los pasos y nos exige estar atentos. Sentimos que estas canciones y el modo de abordarlas, lo están. No porque debieran estarlo, nosotros las lanzamos al diálogo con las músicas que suenan y que resuenan en cada uno, ojalá convivan y enriquezcan lo que nos rodea y un poco más allá.

-La poesía es propia. Ustedes hablan de canciones inspiradas en paisajes, aunque en casos como el de “Muerte fabulosa de los caballos” se describe una situación, se cuenta una historia, ¿cómo surgió toda esa búsqueda hecha canción?

NACHO: -El poema Muerte fabulosa de los caballos preludia a “Halo bestia”, una música que surgió de la mano de una métrica predispuesta al verso. Esos versos cantados en jitanjáfora fueron entregados a Juan Andrés Despouy, quién terminó diciendo: “Si dejo correr al silencio / y me siento a verlo pasar / tal vez mi canto lo diga / con palabras simples como el pan / pero a lo simple lo pierdo / y sin pan no se puede hablar.” Este Juan, compañero de caminos y sueños, publicó “Muertes fabulosas”, el libro que alberga estas muertes, y entre la “Muerte fabulosa de los números”, por citar algunas, aparece la de los caballos. Ese poema acompaña hace muchos años los recitales de Seraarrebol.

-Si bien Seraarrebol ya lleva varios años de experiencia, ambos cuentan con un camino musical transitado antes de este dúo, ¿qué buscaban musicalmente cuando comenzaron a componer juntos?

NADIA: -Buscábamos un espacio de creación donde trabajar sobre nuestras intuiciones y sobre todo, aprender. Somos amigos hace mucho tiempo y estos años de trabajo nos han servido para plantearnos diálogos musicales pero también políticos y culturales. Cuando comenzamos este proyecto también comenzamos a discutir nuestro rol de artistas en esta ciudad y en el país, en el ámbito de la cultura y la sociedad. Con Seraarrebol comenzó una trayectoria sonora pero también un espacio de indagación.

NACHO: -Convertirnos en una sola voz.

 

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Cafundó: sobre “el poder” liberador del tambor

Referente del samba reggae que recupera los toques folklóricos de Bahía, la banda presentó su segundo disco y primero en vivo: una versión propia de “Survival” de Bob Marley. Sobre la percusión, que se hace fuerte en su faceta colectiva.

Por Noelia Leiva @LeivaMNoelia  // Fotos Bren Fahey PH y Cafundó

“We’re the survivors, yes. The black survivors!”, canta Bob Marley desde uno de los íconos de la resistencia a las violencias. Sobreviviente y “poderoso” como ese mensaje es, para Cafundó, el tambor en clave de samba reggae. Por eso, su primer álbum en vivo, “Survival”, recoge los orígenes del folklore afro instalado en el sur de América con un aporte propio de percusión y voces, para contagiar a cada cuerpo con el swing del batuque. Se presentó el sábado último en el teatro porteño “Caras y Caretas”.

El hombre de Nine Mile no pisó Bahía, pero las historias de las luchas en sus composiciones sí navegaron el océano hasta Salvador donde otros testimonios se contaban con la misma efervescencia. Esa simbiosis que recuperó Cafundó en su formato de banda a través del samba reggae se plasmó en noviembre de 2016 sobre el mismo escenario donde siete meses más tarde se presentó su primer live set y segundo disco, tras “Cafundó + 10 Orquesta” de 2014. Ezequiel Szusterman, director general del proyecto que ya lleva 9 años, le contó a Marcha sobre los por qué de la idea y los alcances de la percusión que, “sobre todo en momentos difíciles”, convoca a lo colectivo.

-¿Por qué el primer disco en vivo de Banda Cafundó tiene que ver con Marley?

-“Survival” es la unión entre el samba reggae y Bob Marley, que en los ’80 estaba en plena ebullición con la reivindicación de la cultura negra y explotaba en Salvador (Bahía, Brasil). Para eso Bob fue importantísimo, como así para nosotros que estudiamos y nos nutrimos de esta música. El disco se grabó en 1979, el mismo año en que se formó Olodum (banda fundacional del samba reggae). Nosotros le dimos nuestra manera de tocarlo.

-¿En qué consistió el trabajo musical previo hasta lograr el producto para grabar?

-El proyecto se fue dando.  Queríamos hacer este disco, lo charlamos y el proceso fue el de preparar los arreglos, tocarlos en vivo antes de grabarlo y, cuando sentimos que había que dajarlo, decidir grabarlo. Ese trabajo llevó casi dos años en los que tomamos temas del disco de Bob, los versionamos y los hicimos a nuestra manera (bloque percusivo incluido).

-Si tuvieras que resumir en una palabra cómo percibirse la presentación en sociedad del material, ¿cuál sería?

-Sentimos felicidad, sobre cualquier otra palabra que se pueda mencionar. A diferencia de la grabación, la presentación tiene la ayuda de que ya venís tocando hace más tiempo y no tenés la tensión de que se está grabando, que, por más que lo quieras eludir, existe. Se disfrutó más. Y sentimos una energía muy copada de parte de un público familiar que nos gusta mucho. Cafundó es apto para todo público porque el samba reggae es un género que no divide. Aunque cada vez hay menos géneros que dividen, antes si te gustaba el rock no te podía gustar la cumbia, por ejemplo. Ahora no. Y el tambor es poderoso.

Desde los primeros ‘toques’ de 2008 en una plaza de la capitalina Paternal hasta el presente, la “potencia” que moviliza a los y las integrantes de Cafundó no cambia: “El tambor permite juntarse con otras personas, se puede hacer grupal y rápidamente ser disfrutado”, describió Szusterman.

Las muchas historias que llevan a alguien al ritmo de los surdos y el repique no sólo se encuentran en el escenario sino también en talleres en la Ciudad de Buenos Aires, Monte Grande, San Isidro y La Plata. Además, supieron participar en cursos en barrios populares de la Capital Federal, como Zavaleta. Son cerca de 500 los alumnos y alumnas que concurren y que cierran cada año con una clase abierta y multitudinaria bajo el sol en Figueroa Alcorta y Pampa. Esa diversidad “es tanto social como de edades, de maneras de pensar, de ideologías”, enfatizó el músico. “Cuando suena la música y el tambor se manifiesta, nos unimos todos”, celebró.

-Desde que comenzaron a trabajar hasta ahora, ¿consideras que creció la difusión del sambareggae?

-Sí, sin dudas. Cuando empezamos a tocar en Capital, había dos o tres grupos. Éramos realmente pocos. En los últimos dos años, somos al menos 20, y también hay en los alrededores (a la Ciudad porteña). Queda pendiente unirnos y conocernos más pero seguro que creció exponencialmente.

¿Por qué creés que sucedió?

-Me parece que el tambor en general viene ganando lugar en la sociedad por un montón de factores. La necesidad de cosas que nos junten con otras personas es uno, así como las ganas de hacer música, que muchas personas las usan como manera de canalizar situaciones. El tambor permite tocarse de manera grupal y, a diferencia de otros instrumentos, rápidamente podés sentirte cómodo y disfrutar de sacarle un sonido. Tiene que ver también con algo social: cuando más nos sentimos oprimidos por las cosas que pasan a diario, más necesidad tenemos de juntarnos y hacer cosas que nos hagan bien. Tocar música es algo que muchas personas elegimos para pasar esos momentos duros.

‘Nosotros somos sobrevivientes’, dice Marley desde la versión de Cafundó. Y en esa senda, el arma que rompe las cadenas es una: “El tambor es liberador”.

 

“Survival” – Ficha técnica

Voz: Eduardo Solís.

Repique: Ezequiel Szusterman y Lautaro Garro.

Redoblante: Nicanor Faerberg y Pablo Belmes.

Surdos: Ramiro Pérez Daveggio, Martina Lafluf, Diego Gosiker, Miguel Villaveirán y Joan Bergunker.

Bolashao: Ariel Morgenlender.

Surdos de fondo: Jonatan Stahl, Rodrigo de la Mano y Joaquín Castán.

Congas, timbal y accesorios: Nicolás Arianna, Ezequiel Malec, Lucas Wilders.

Accesorios, coros y voz 10:  Matías Fernandez Levi.

Guitarra, coros y voz en 09: Martín Lijalad.

Guitarra: Hernán Milstein.

Coros y voz en 11: Ivonne Guzmán.

Coros y voz en 02 y 11:  Virginia Marques.

Coros y voz en 11: Laura González.

Director general: Ezequiel Szusterman

Producción musical: Martín Lijalad

 

Próximas fechas:

.Fiesta Cafundó con talleres en vivo y banda invitada – Niceto – sábado 15/7 – 24:00

.Septiembre: gira Cafundó en España

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Un libro que viene de lejos

Por Joice Barbosa

Representantes de las comunidades del Pueblo Nivaclé llegaron a Ciudad Autónoma de Buenos Aires para la presentación del libro El Pueblo Nivaclé en Formosa ¡ESTÁN! en el Senado de la Nación. Asistieron referentes de distintos pueblos indígenas del país.

La presentación del libro El Pueblo Nivacle en Formosa ¡ESTÁN! se realizó el pasado 23 de junio.  El Pueblo Nivacle, es uno de los pueblos ancestrales del Gran Chaco americano. Hoy su población se encuentra distribuida en los países de Argentina, Paraguay y Bolivia. En Argentina  han vivido entre los ríos Pilcomayo y Bermejo. Las personas que se autodenominan como Nivaclé, forman parte de uno de los últimos grupos en ser hallados en el proceso de colonización del Chaco. Lingüísticamente, los breves estudios realizados desde principios de siglo han llevado, no sin discusión, a considerarlos como pertenecientes a la familia lingüística mataco-mataguayo, junto a los mataco, chorote y macá.

Sergio pertenece a la comunidad, y fue uno de los primeros en tomar la palabra: “Nosotros venimos a Buenos Aires a presentar el libro, para que nos reconozcan en la provincia de Formosa. Gracias a Dios que nosotros salimos al aire, los Nivaclé”.

Según la Encuesta Complementaria a Pueblos Indígenas de 2005, hay 440 personas en territorio argentino con pertenencia y/o ascendencia indígena del pueblo Nivaclé, de las cuales 392 viven bajo la estructura de comunidades, en las provincias de Salta y Formosa. Un censo reciente, realizado por la Asociación para la promoción de la cultura y el desarrollo, relevó que la población asciende a 473 personas, tan sólo en la provincia de Formosa.

La población en la provincia se encuentra ubicada entre las rutas provinciales Nº 32 y 39, el Río Bermejo y la margen derecha de lo que era el curso viejo del Río Pilcomayo. Las comunidades reciben el nombre de Comunidad San Miguel en la Localidad de Laguna Yema; Comunidad San José en la localidad de Río Muerto; Comunidad Tisjucat en la Localidad de Guadalcázar; Comunidad Nu´us Tíyojavate en la localidad de La Madrid, Comunidad La Amistad, Fa´aycucat-Algarrobal en la localidad de El Potrillo. Además, existen grupos de familias ubicados en la localidad de Media Luna, San Cayetano, San Martín No.2 y Las Lomitas. Sin embargo, para estas comunidades no existe reconocimiento jurídico (ni individual ni colectivo) por parte de las instituciones del Estado a nivel nacional y provincial, debido a que se les adjudica el ser de la República del Paraguay.

“El gobierno dice siempre que los Nivaclé no existen en la Argentina”

Durante la presentación del libro, el pueblo nivacle insistió en la visibilización porque el Estado sigue negando su presencia. Así lo dijo también Florinda:“El Gobierno dice siempre que los Nivaclé no existen en la Argentina. Nosotros siempre pedimos los documentos…. Cuando la gente dice: ‘ustedes son paraguayos’, nosotros decimos: ‘no somos paraguayos, somos Nivaclé’”.

El discurso nacional hegemónico en la consolidación del Estado argentino, a diferencia de otros países de la región, se instauró a partir del “blanqueamiento” y la eliminación sistemática de las poblaciones originarias que subsistía en sus tierras. Las campañas militares que se dieron entre los años 1875 y 1911 hacia los territorios de la Pampa, la Patagonia y el Chaco se enfrentaron a la resistencia indígena, y derivaron en el control militar territorial y el aniquilamiento de sus poblaciones. Los remanentes de población indígena continuaron resistiendo a la violencia económica estatal, ingresando como mano de obra forzada en la economía del capital (campenización y proletarización), y también al avasallamiento por parte de las misiones, establecidas constitucionalmente a mediados del siglo XIX.

Además de los años de resistencia, la historia ancestral se refleja en sus palabras y en su acción. Así lo explicó Florinda: “Por eso nosotros vinimos para presentar…para contar la historia de los abuelos, porque los abuelos no saben, ellos van y vienen del otro lado del Río Pilcomayo”.

En la actualidad, el avance de la frontera agropecuaria y la explotación y/o extracción de recursos naturales en el Gran Chaco han modificado el paisaje e incidió negativamente en la calidad y cantidad de superficie de tierra disponible para el uso indígena, a la vez que presiona sobre sus territorios tradicionalmente ocupados. Las comunidades experimentan una crisis humanitaria profunda y de violación a sus derechos fundamentales, porque carecen de los medios esenciales para vivir, como el agua, los alimentos y la vivienda; así como también de fuentes de trabajo, salud y educación. Su principal reclamo como pueblo indígena es el reconocimiento jurídico y el territorio ancestral del cual han sido despojados.  

Julio dio cuenta de esa sensación de no pertenencia y de la exigencia de los Estados de una identidad territorial: “Si vamos al Paraguay van a decir que nosotros somos argentinos, y si vamos a Argentina van a decir que nosotros somos paraguayos…Pero no es así: existían los Nivaclé acá. Si no sabe la gente acá en Formosa que los Nivaclé están, que sean otros pueblos otras etnias… Gracias a ese libro, tiene mucho significado que sepan los otros pueblos acá en Argentina que nosotros estamos en Formosa”.  

Existen muy pocos estudios que den cuenta de la situación actual de estas comunidades, es por esto que trabajos como el presente libro resultan necesarios para la recuperación de su memoria y de una larga trayectoria histórica de negación y violencias de las cuales han sido víctimas. Esta publicación proporciona recursos documentales que confirman la presencia de este pueblo en el territorio argentino, una caracterización de las comunidades que se encuentran en la Provincia de Formosa y una recopilación de testimonios de los ancianos de estas comunidades. Este trabajo se realizó con la colaboración y el impulso de la Asociación para la promoción de la cultura y el desarrollo (APCD), acompañado por docentes, traductores y dirigentes de las comunidades y el financiamiento del Fondo Ecuménico de Pequeños Proyectos Gran Chaco  (Creas-CWS) y la Obra Católica para el Desarrollo “Misereor”.

Para cerrar, Julio expresó: “Todas las letras que están ahí tienen una historia, ese es el pueblo Nivaclé… Ese libro viene de lejos para traernos acá”.

 

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